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Qûrtuba de fiesta – Primer festival en homenaje a Siria

Al Hákima Ensamble

El sábado 27 de Abril, en el marco de un nuevo aniversario de la independencia de la República Árabe  Siria, se realizó el primer festival en homenaje a este maravilloso país.

Con el auspicio del Gobierno de la Provincia de Córdoba y el Municipio de la ciudad de Córdoba, se realizó en el Paseo del Buen Pastor, organizado por la Juventud de la Sociedad Sirio Libanesa de esta ciudad y con la participación de Sirios radicados en nuestra ciudad, sus descendientes y todo el público que se acercó a este emblemático lugar, a conocer sobre nuestra cultura.

Estuvieron presentes autoridades de la colectividad como el cónsul honorario de la República Árabe  Siria, Abdala Saddi, representantes de la Sociedad Sirio Libanesa y el Club San Lorenzo, (fundado por  los primeros árabes inmigrantes), entre otros.

Orquesta de Raffi Avakián con Majed Hermes

El festival contó con la presencia de los cuerpos de baile folclórico IkramAteneo Sirio Libanés, el grupo musical Al Hákima Ensamble y la Orquesta de Raffi Avakián.

No podemos dejar de destacar la maravillosa voz de Majed Hermes, “La voz de Siria”.

Samir El Sukaría

Una noche llena de emoción donde los sabores de nuestras comidas típicas fueron representados por las distintas propuestas gastronómicas de los restaurantes árabes, Qara, La Zette y los exquisitos shawarmas de la familia  El Sukaría.

Pudimos participar de los stands de la carpa de migraciones donde nos ilustraban acerca de la maravillosa tierra de Siria y sus puntos turísticos, así como también la historia de los primeros inmigrantes que se establecieron en esta ciudad hacia fines de 1800.



Las damas asistentes pudieron disfrutar de una antigua costumbre árabe como el tatuaje de henna y compartir un poco de los orígenes  y costumbres a partir de la realización de esos elaborados dibujos en el cuerpo de las jóvenes novias. Una tradición que según las costumbres, traían fortuna y protección a la pareja.

Henna

La noche cerró con un maravilloso dabke con la participación de todos los presentes encabezado por nuestro querido bailarín y representante de nuestra gran cultura de la danza de Medio Oriente, Gabriel Bufe, desplegando una enorme bandera Siria, orgullo de nuestras raíces.

Gabriel Bufe

Sin lugar a dudas, una noche inolvidable donde un rincón de la ciudad se transformó en una gran fiesta llena de color, olores y sabores de nuestra querida Patria Grande. Compartiendo una vez más nuestra cultura con esta ciudad que acogió a nuestros abuelos, haciéndolos parte de la sociedad cordobesa.

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Cuento de una pintura – Hamdi Mukhlaf al-Hadithi

Pintura del artista Nazir Naba

La narrativa inspirada desde una obra de arte se transforma en una obra nueva. Los sentidos sueles aflorar frente a una obra plástica y este artista pretende, a través de la pluma, deshojar una historia que va mucho más allá de las imágenes. Transformándolas en palabras,  en historias y plasmándolas en el arte de la narración.

El artista  iraquí Hamdi Mukhlaf al-Hadithi se detuvo frente a una nueva colección de Artes Plásticas, frente a 17 pinturas de artistas y pintores iraquíes, de Siria, Kuwait, Egipto, Palestina y Yemen, logrando que salieran de cada panel  una breve historia. El iraquí Hamid Said se paró frente a las pinturas de pintores árabes e internacionales, cuestionó y sacó poemas dispersos en su poesía, llamada Hamdi Makhlaf Hadith en su libro «El poema en la poesía de Hamid Said».


Cuento de una pintura

Parece que esta experiencia de Hamid Said ha enriquecido lo moderno, ha dejado un impacto en sí mismo y ha decidido realizar el mismo experimento, pero esta vez para expresar los cuentos en las pinturas, cada uno representa una historia.

Seleccionando pinturas realizadas por artistas iraquíes, incluyendo pintura «Birds» pintor Ibrahim Zayer«Cuervo» Alaa Bashir«Dick» Ismail Fattah Turk , «árboles» Laila Al-Attar, «mujer siesta» para Jawad Salim, y el «horizonte» de Nazaret para Rafi, el narrador entregó su colección de cuentos inspirado en las obras mencionadas.

El narrador también eligió pinturas de Naim Ismail, Nazir Nabaa, Elías Zayyat de Siria, Munir Juez Khalifa Al-Qattan de Kuwait, George Bhjor y Kamal Amin Awad, de Egipto, e Ismail Shammout de Palestina, Ali Raven de Yemen, por lo que la medida de cada historia es una explicación de la placa, de acuerdo con su visión.

Por otro lado, si no hubiera sido por su experiencia  en el dibujo y la crítica plástica, su innovación literaria, Hadithi no habría tenido éxito en su colección narrativa, que se publicó en Amman unos días antes de la editorial Millennium Publishing en 2017.

Narrador y crítico de arte, nació en la ciudad de Haditha, en la provincia de Anbar, en el oeste de Irak y recibió una licenciatura en Administración y Economía en 1982. Trabajó en la gestión de alabastro,  comenzó su experiencia de escritura de arte plástico y el cuento, y fue la primera ,en la Guerra del Golfo entre Irak e Irán 1980-1988 de impacto prominente en la continuación de la historia corta, especialmente desde que participó y ha estado cautivo por las fuerzas iraníes durante más de ocho años.

Hadithi participó en muchas conferencias literarias,  contribuyó a las exposiciones de artes plásticas y varias exposiciones creadas en la Unión de Escritores de Irak y el Sindicato Iraquí de miembro de Bellas Artes. Ha dicho que sus fuentes, incluyendo «capítulos de obras de arte en Irak», Shakir Hassan Al Said, 1983, le imprime una colección de historias titulada «Cuando la tierra brilla» en 1982, un estudio sobre el artista Akram Shukri, una novela titulada «The Circle Begins Me», y otros libros impresos.

Por Salam al-Shamma

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La expresión del arte en el campo de refugiados de Za’atari

Pintura de un refugiado de Za’atari

No hay nada peor que la pérdida de la patria.

Encarnando el caso de los miles de refugiados sirios en el campamento de Za’atari, las pinturas fueron realizadas con detalle poniendo énfasis en la esperanza.

El campo de refugiados de Za’atari acoge a más de 80.000 personas que se han visto obligadas a huir de la guerra en Siria. Más de la mitad son niños. Fue abierto en 2011 y al día de hoy es la cuarta ciudad más grande de Jordania en número de habitantes, lo que supone un enorme reto a nivel de infraestructuras y servicios.


Pintura de niño refugiado

El arte como medio de expresión

Las tiendas de lona que dan asilo no impiden resguardarse de las frías noches del desierto y apenas protegen del sol. Artistas de Siria convierten en arte y con ello un mensaje que quieren entregar al mundo a través de su arte. «A pesar del dolor, la esperanza sigue siendo un discurso amplio sobre la crisis de su país y su gente”.

El artista sirio Mohammed al-Amairi  reflexiona “cuando se destruye la patria y el ser humano, solo queda la esperanza”.

Hemos trabajado en varios estilos de arte dentro de las escuelas con una variedad de técnicas a través de los materiales utilizados en las pinturas, como la utilización de telas de las tiendas del campamento de Za’atari con colores simples.

Pintura de niño refugiado

El objetivo principal de esta exposición de dibujo y pintura es comunicar nuestras ideas y mensajes a través del lenguaje del arte que todas las personas entienden en sus diferentes idiomas y nacionalidades, dice Amairi.

Más de cien pinturas fueron coleccionadas por artistas sirios en una exposición titulada “Stamp of Hope”. La exposición contó con la participación de 25 niños sirios del campamento de Za’atari, junto con los artistas.

Según el artista sirio Emad al-Kafi, un refugiado del campo de  Za’atari, «los niños querían transmitir un mensaje a través de la exposición al mundo y destacar la destrucción y el desplazamiento que provoca la guerra».

Enseñamos durante un año y medio a los niños a dibujar y mantener así los cursos, para trasmitir sus mensajes en un lenguaje de arte alejado de la violencia.

Esta es la segunda participación de niños en la exposición que se realizó en el Centro Soeriat a través de la frontera en la capital jordana de Amman. Los organizadores hicieron hincapié en que el arte sirio refleja la actualidad lejos de la guerra y la política.

Las pinturas tratan diferentes temas, algunos muestran el sufrimiento de los refugiados sirios en la diáspora, otras son imágenes cotidianas que los refugiados desplazados padecen a diario.

Pintura de familia refugiada

Los artistas, muchos de ellos venidos de Irbid, esperan que la exposición sea el comienzo del establecimiento de un foro de arte técnico de nivel en Jordania, que reúna a los artistas sirios, jordanos otros artistas árabes que residan en la región.

Por Nader Al-Manaseer
Con información de Souriyati


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Arte Damasquino o Damasquinado – Joyas del Mundo Árabe

Es una técnica consistente en formar temas decorativos haciendo incrustaciones de oro y plata en una superficie metálica. En algunas tumbas egipcias se han descubierto muestras que datan del siglo XVI antes de nuestra era.

El damasquinado se puede definir como el arte de la incrustación de láminas de oro e hilo de oro de 24 kilates, (oro amarillo de 4mm de espesor), de oro de 22 kilates, (oro verde de 4mm de espesor), y plata, (9,25mm de espesor), sobre una base de hierro blando, material que con anterioridad el artesano trata químicamente, con ácido nítrico, para crear una cierta porosidad en el hierro y así poder incrustar la lámina y el hilo de oro. La incrustación se vale de cincel y martillo para fusionar el hilo o la lámina con el hierro poroso, quedando hecho un único cuerpo el oro y el hierro.

Tras unir hierro y oro, el artesano lleva a cabo el llamado pavonado, introducir el objeto en una solución  caústica y nitrato potásico a una temperatura de 800º C para que el hierro tome el color negro y el oro brille aún más, tratándose de una oxidación que se le hace al hierro y que limpia de impurezas. A continuación se realizan las decoraciones con cincel, con el llamado repasado de la pieza, donde la obra cobra vida y el damasquinador impregna su propia identidad.

Aunque es probable que el arte se haya originado en Egipto, el término damasquinado se deriva del nombre de la antigua Damasco, capital de Siria. Sus hábiles artesanos crearon objetos de tal belleza, que el nombre de la ciudad llegó a ser sinónimo de la técnica. Damasco era, además, un centro comercial importante gracias a su ubicación en un cruce de caminos que conectaban el Mediterráneo oriental con los países de Mesopotamia y el Oriente. Tal prominencia le permitió llevar sus artesanías tradicionales, (como los damasquinados), más allá de las fronteras nacionales.


El damasquinado pisó con fuerza a partir del S.XVI y fue el lujo desplegado en las armaduras de toda Europa el motivo por el que un arte ancestral fue recuperado, destacando en España los suntuosos arneses de Carlos I o Felipe II. En Toledo la Real Fábrica de Armas contribuyó de forma decisiva en el S.XIX a continuar y potenciar más la tradición, de la producción únicamente artesanal de hace siglos a la cada vez en ocasiones más industrial de nuestros días, si bien en la ciudad de Toledo sigue habiendo grandes maestros artesanos que ofrecen sus trabajos a lugareños y turistas en un sector que aglutina más de cien expositores solo en Toledo.

Este arte se arraigó en Europa en el transcurso de unos cuantos cientos de años, y ya para el siglo XVI la ciudad de Toledo, (España), dominaba como su centro representativo. Espadas, armaduras y escudos toledanos, así como otros objetos más delicados, adquirían la elegancia y distinción del hermoso toque damasquino.

El damasquinado toledano realza el brillo del oro y de la plata contra un fondo de acero de un negro intenso. En sus diseños combina caracteres cúficos, (de la antigua escritura arábiga), con figuras geométricas o florales típicas de las culturas árabe y mudéjar. Acompáñenos a una visita breve a Toledo y verá cómo sigue viva esta artesanía.

Las características únicas de los damasquinados constituyen un tributo a los numerosos artesanos que, a lo largo de los siglos, han mantenido viva tan antigua profesión. Gracias a ellos podemos admirar con deleite primorosas figuras de oro y plata sobre acero.

Con información de Toledo guía turística y cultural


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Géneros líricos árabes -El Mahŷal

El mahŷal 1 es una canción popular estrófica cantada de forma colectiva tanto por hombres como por mujeres durante el periodo de la recolección de la cosecha.

Este término se utiliza en general para los cantos asociados a la realización de trabajos, ahāziŷ al–ʿamal, (cantos de trabajo) y puede ser extendido a todos los cantos realizados en momentos de actividades laborales colectivas, tales como las propias de campesinos y de artesanos.

De este modo, se ha documentado la existencia del mahŷal al-bināʾ, canto de los albañiles, el mahŷal al–ḥiṣād, canto de la cosecha, el mahŷal al-asfār, canto de los viajeros, el mahŷal al-raʿī, canto de los pastores y el mahŷal ŷalb al-māʾ, canto de los aguadores. 2



En ocasiones se ha llegado a confundir el zāmil con el mahŷal; la diferencia entre ellos radica principalmente en que el primero se acompaña de instrumentos musicales tales como tambores y que el segundo solo se recita en grupo, sin acompañamiento musical.

Por A.A. Piccolo  (U.A.M – Curso de Doctorado: Tradición e Innovación en la Cultura Árabe e Islámica).


Notas:

  1. En árabe yemení haŷala significa cantar marchas y mahŷal (pl. mahāŷil) son canciones populares, Piamenta, Dictionary…op.cit., pág. 505.
  2. Al-Baraddūnī, Funūn al-adab…, op.cit., pág. 151 y ss.

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Vidrio, un legado Árabe – Origen e Historia

El vidrio, material noble

Según datos históricos, el vidrio fue inventado entre los años 2500 y el 3000 A.C., en el Asia Menor. Cuando la civilización egea estaba en decadencia, en el siglo XIII A.C., se establecieron en Siria y Mesopotamia, numerosos centros de fabricación de vidrio que perduraron y se extendieron por el Mediterráneo, en la isla de Rodas y Chipre, y más tarde en Alejandría, fue un importante centro de producción de vidrio desde el año 330 A.C. Egipto, Persia y Siria constituyeron grandes industrias del vidrio.

El vidrio se define como un producto inorgánico que se ha enfriado hasta alcanzar un estado rígido, sin experimentar cristalización. Es un material que, desde los orígenes de la Humanidad, ha estado siempre vinculado al hombre, cumpliendo una doble función: por un lado, ha servido como elemento de utilidad para el progreso de las distintas sociedades; y por otro, como motivo decorativo con el que el hombre ha expresado sus inquietudes artísticas y creativas.

Muchos autores de la antigüedad escribieron acerca del vidrio. Plinio el Viejo (23-79 d.C.), por ejemplo narró en su «Historia Natural» que el descubrimiento de ese material tuvo lugar en Siria, cuando unos mercaderes de natrón, probablemente en ruta hacia Egipto, preparaban su comida al lado del Río Belus, en Fenicia. Al no encontrar piedras para colocar sus ollas, pusieron trozos del natrón que llevaban como carga, y a la mañana siguiente vieron cómo las piedras se habían fundido y su reacción con la arena había producido un material brillante, vítreo, similar a una piedra artificial. Tal fue, en síntesis, el origen del vidrio.

Los egipcios, precursores de su elaboración

Fueron los egipcios los que impulsarían en mayor medida el uso del vidrio como material decorativo y de uso doméstico para la conservación y almacenaje de determinados productos.

Los egipcios conocieron ya este proceso de elaboración en el cuarto milenio a.C. Con ingrediente como arena, cenizas vegetales, salitre y creta producían un vidrio opaco y opalino que difundieron por todos los países del mundo en forma de recipientes para líquidos y como artículos de lujo, tales como esmaltes vítreos para imitar piedras o recubrir objetos de orfebrería.

Al principio las vasijas y recipientes de vidrio se hacían por derretido sobre moldes, porque no se había inventado aún el método de soplar con tubo, aunque también se cortaban de bloques sólidos. Pero a medida que fueron creciendo las industrias del vidrio, su fabricación también fue floreciendo. De entre todos, se destacó Venecia y la isla de Murano, donde se hacían los trabajos más refinados en vidrio.



Arte musulmán

Pero sin duda los países musulmanes fueron los que hicieron la diferencia tras fabricar vidrios de colores entintados con los cuales adornaban las lámparas de las mezquitas.

Los artesanos musulmanes llegaron a un elevado dominio técnico en el trabajo del vidrio, destacando la época fatimí, en el siglo IX-X, introduciéndose los esmaltes polícromos y el reflejo dorado, y se especializaron en la producción de vidrios tallados, y estampados. Su técnica consistía en excavar y tallar un pedazo de cristal de roca transparente, para que sirva de jarro o copa.

En la época de los selyúcidas y mamelucos en Egipto en los siglos XII-XV se trabajaba el vidrio transparente y de color esmeralda, decorado con arabescos, figuras de animales, versículos del Corán, etc. También en Siria en el siglo XIII, en Damasco y AlepoLíbano, TiroIrak, Samarcanda y Mosul se hacían objetos de vidrio esmaltado con soportes de plata, y lámparas de gran belleza y un fino trazado. Se exportaba a China y en el siglo XV se instalaron en Venecia talleres de vidrio imitando el arte islámico.

Los fenicios y el comercio del vidrio

En el campo de la artesanía no puede olvidarse el vidriado. Los vasos de vidrio así como los amuletos y objetos de adorno fabricados con la pasta vítrea son muy abundantes, y parece que la invención de este material debe ser atribuida a los fenicios. En sus centros comerciales de Oriente, en Gadir o Cartago, o como simples artesanos al servicio de cortes extranjeras, nuestros hombres fabricaron grandes cantidades de objetos de este tipo en los diversos hornos de vidriero que construían a tal efecto.

Componentes básicos

Inicialmente se tuvo en cuenta la arena, algo que a primera vista nada tiene de noble y refinado. De esta opinión sólo son aquellos que ignoran que en muchos casos -por ejemplo el montuoso Líbano– la arena contiene gran cantidad de cuarzo, que es ácido silícico puro en forma cristalina, y precisamente el ácido silícico constituye el elemento más importante del vidrio. Un vidrio normal de ventana contiene más del 70 %, y un cristal de plomo no menos del 60%. Luego, si se mezcla este subproducto del mar con bicarbonato sódico, como se le encuentra en las aguas carbonatadas de los lagos egipcios o en las cenizas de las plantas marinas y esteparias salíferas, si se le añaden substancias alcalinas en forma de piedra caliza, mármol o creta y se calienta la mezcla hasta unos 700 u 800 grados centígrados, entonces se obtiene, con fuerte producción vesicular, aquel producto viscoso y rápidamente solidificable que puede transformarse fácilmente en pequeñas perlas, o, por medio de un núcleo de arcilla, en frascos, o mediante soplado, en hermosos recipientes abombados y trasparentes.

De un modo u otro lograrían descubrir los fenicios este secreto de fabricación que, como es de suponer, estaría celosamente guardado, y lo utilizaron para montar su propia industria cristalera. Pero al hacerlo no se limitaron a una imitación servil, sino que unieron al ingenio su tenacidad en un intento por hacer transparente la masa lechosa. Por fin, después de una serie de pruebas y fracasos, lograron el éxito apetecido. En Tiro y Sidón, en esta última ciudad sobre todo, se montaron pequeñas vidrierías, de cuyos hornos salieron los primitivos trasparentes de la historia.

Tan espectacular como el descubrimiento del vidrio de fue igualmente su manera de comercializarlo. En efecto, no se limitaron a ofrecer el vidrio como objeto de lujo a precios elevados, sino que organizaron cadenas comerciales para distribuirlos a gran escala. El vidrio, fundido, prensado o tallado se ofrecía en Tiro, Sidón o Gadir a precios tan sumamente baratos, que incluso podían adquirirlos los desheredados de la fortuna; y así fue empleándose más y más para vasos y copas en lugar del metal o la arcilla. Los fenicios inundaron literalmente con sus vasijas, botellas y perlas todo el mundo conocido, y con razón puede considerárselas como los iniciadores de la fabricación en serie.

El nacimiento del vidrio soplado

Con el manejo de la caña de soplado se inicia la verdadera artesanía del vidrio hueco propiamente dicho en todas sus formas. Este procedimiento fue aplicado primeramente al soplado de recipientes en el interior de moldes, y poco más tarde se extendió al soplado al aire. Parece muy probable que fuera igualmente en los talleres vidrieros de las costas de Siria donde se fabricarán, también por soplado, los primeros vidrios corona para ventanas. Con esta técnica que ofrecía tan grandes ventajas pudieron fabricarse piezas de paredes considerablemente más delgadas, se introdujeron nuevos diseños con una gran variedad de formas, y se abandonaron los viejos estilos clásicos tradicionales. Además la rapidez de este nuevo procedimiento de trabajo hizo posible una fabricación en mayor escala.

Las piezas fabricadas por los vidrieros de Sidón durante esta época llevaban la marca y firma de su autor, lo que ha permitido su identificación segura. Entre los más afamados vidrieros destacaban Ariston, Artas y Ennion, de cuyos talleres salieron numerosos vasos soplados en molde, con diferentes motivos impresos en relieve y con inscripciones en griego, de acuerdo con la moda y la importancia que había adquirido este idioma en Oriente desde las conquistas de Alejandro Magno.

Después de esto en toda Europa floreció la industria de vitrales de colores, en gran demanda para los ventanales de iglesias y castillos. Alemania e Italia se distinguieron en la confección de esos vitrales. El vitral de colores más antiguo que se produjo en Italia fue el del ventanal redondo del coro de la Catedral de Siena, que data del año 1288.

El uso del vidrio en la vida diaria.

El vidrio inastillable que eliminó el peligro de la rotura de los parabrisas y en los vehículos, fue patentado en Francia por un artista y aficionado a la química llamado Edouard Benedictus, quien lo inventó intercalando una fina hoja de celuloide entre las planchas de vidrio.

En el siglo XVIII, Revenscroft, inventó el vidrio de plomo, que era más pesado y más transparente, y se prestaba para ser grabado.

Por Juan Antonio Cerpa Niño

Con información de Historia y Arqueología

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Marfil Califal, Legado de Al-Ándalus (الأندلس)

Las grandes obras maestras de marfil en las edades islámicas, son las realizadas por los creadores y artistas de Andalucía, y que datan del siglo IV. Por lo tanto el aumento de la importancia de los objetos que la mayoría de los historiadores y los escritores menciona, al nombre personal, orgullo de los artesanos de Andalucía, su arte y su autoestima.

Latas y cajas pequeñas de marfil, que se utiliza para guardar los ornamentos y joyas, es el mejor testimonio de los logros del fabricante andaluz, realizados en el arte de la industria del marfil.

En la Edad Media, la admiración de la rica Europa, adquiría estas obras para guardar los  objetos de valor. Era muy común entregarlos  como regalos en las bodas.

Después de la caída de las ciudades de Andalucía, se trasladó algunas de estas latas a  Museos de diferentes lugares del  mundo o iglesias y monasterios.

Dentro del arte hispano musulmán, se desarrollaron en Córdoba y Cuenca durante la presencia de la cultura musulmana en España, dos importantes talleres de marfil, cuyo periodo de mayor esplendor fueron el siglo X y primer cuarto del siglo XI. La producción se concentraba en objetos suntuarios con detalles ornamentales engastados en materiales nobles (oro y plata), sobre maderas trabajadas, o piezas puras de marfil, unidas y labradas. Los objetos son elaborados con fines singulares y específicos, casi siempre para regalo, dentro de los cortesanos de los reinos o familias de más elevada posición económica. Era la mujer la principal destinataria de los objetos.

Las piezas más llamativas y donde los maestros eran capaces de mostrar todo el esplendor de su arte eran las llamadas arquetas o arcas, que con motivo de festividades, conmemoraciones o actos de especial trascendencia social o familiar, se elaboraban en ambos talleres. En el de Córdoba los trabajos eran más refinados, con soltura para desarrollar las temáticas sobre la naturaleza en formas caprichosas y variadas que, observadas al detalle, presentaban un absoluto equilibrio y excelentes conocimientos de geometría por sus autores. En el de Cuenca, los trabajos eran más sencillos, quizá debido al tipo de pedidos y su ubicación fronteriza entre reinos cristianos y musulmanes, lo que dificultaba la continuidad de los trabajos y la enseñanza a los aprendices.

La técnica del ataurique, mediante la estilización de los motivos vegetales en la decoración, es profusamente usada. Las arquetas, botes, perfumadores y joyeros más sobresalientes que se conservan se encuentran en el Museo del Louvre (Píxide de Al-Mughira) Leyre (Arqueta del Monasterio de Leyre), Zamora (Bote de Zamora), San Millán de la Cogolla, Toledo, Fiteros (Arquetas de la iglesia de Fiteros) y Silos.

Es éste uno de los tesoros del  Museo Arqueológico de Madrid

Aunque se conozca como Bote de Zamora (pues se conservó como píxide en la catedral de Zamora), se trata de un marfil califal que, gracias a la inscripción, podemos datar perfectamente.

En ella se habla de un regalo del califa Al-Hakem II a su favorita, Sub (Aurora, pues se trataba de una antigua cristiana), madre de sus principales hijos.

Sabemos incluso que el regalo se hizo para agradecer  el parto de Hisham II en el 964 del calendario cristiano.

Su realización se debe a los talleres de eboraria califal situados en Medina Azahara que reutilizan las formas y motivos típicos de la decoración arquitectónica (atauriques, árbol de la vida, como ya vimos en El Salón Rico) añadiéndole figuras zoomorfas (cervatillos, palomas, pavos…) que se vincularían con el taller de bronces (también animalísticos) de los que proceden algunas piezas capitales, como el Cervatillo de Medina Azahara.

Estos objetos se encuentran relacionados con la cultura del regalo que se practicaba en las cortes medievales (la Bizantina como principal ejemplo), que refuerzan los lazos de las élites o sirven (al igual que los libros, la cerámica de lujo, las joyas…) como forma de protocolo en las relaciones internacionales.

Su utilidad, además de la del propio continente que ya generaría un status sumamente elevado, sería la de guardan grandes joyas y perfumes.


Notas:

  • Hassan Al – Basha Patrimonio del Arte Islámico – p.224 y 243
  • Zaki Mohamed Hassan Arte del Islam – página 493, 494 y 496
  • 197: Jerrilynn D. Dodds | Al-Andalus, El arte de la España islámica – P. 192
  • Qantara, Patrimonio del Mediterráneo | Pyxis de Al-Mughira

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