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Importancia de las obras plásticas en la civilización de los Árabes

Alhambra en Granada

Los restos que nos quedan de la civilización de los Árabes nos permiten reconstituir fácilmente sus partes esenciales, por ser bastante numerosos; y nosotros hemos utilizado la mayor parte de ellos, como obras científicas, literarias, artísticas e industriales, instituciones y creencias.

Entre los elementos de que con más frecuencia nos hemos servido procede designar particularmente las obras plásticas, las cuales bajo su forma tangible hablan claramente al alma, y son la expresión fiel de las necesidades, de los sentimientos y tiempos que las han producido. En ellas se refleja del modo más claro la influencia de la raza y del centro que la ha rodeado. En las obras de una época se puede leer toda esta época, sean cuales fueren aquellas obras. Una caverna de la Edad de piedra, un templo egipcio, una mezquita, una catedral, una estación de camino de hierro, el retrete de una mujer a la moda, un hacha de sílex, una espada de dos manos o un cañón de cincuenta toneladas nos revelan muchas más cosas que una pirámide de disertaciones.

No hay otro medio de describir las obras plásticas de un pueblo que presentarlas; y las fotografías del Partenón, de la Alhambra y de la Venus de Milo nos parecen preferibles a la colección completa de los libros que todos los autores del mundo han llegado a escribir sobre esas cosas.

Penetrados de la importancia que tales documentos tienen para evocar en la inteligencia la fiel imagen de los tiempos que uno quiere resucitar, hemos procurado aumentar considerablemente sus reproducciones.

Cuando se trata de definir formas ninguna lengua tiene palabras capaces de hacerlo; y sobre todo cuando se habla de Oriente, las figuras son necesarias, pues sólo por los ojos puede conocerse esos paisajes, esos monumentos, esas obras de arte y razas diversas que lo animan. El estilo más brillante no dará jamás una impresión comparable a la que produce la vista de las cosas,’y en defecto de éstas, una imagen de ellas.



Pero esos monumentos, esas obras de arte, esos paisajes, esos tipos de raza, esas escenas de la vida íntima buscarse deben en regiones muy lejanas; y si se quiere verlos fielmente reproducidos, sólo puede obtenerse por medio de la fotografía. De ella nos hemos servido con tal objeto. El artista más hábil, trabajando un día tras otro, y añadiendo días a días, no llegaría a producir las perfecciones que aquélla realiza en algunos segundos.

Sólo la fotografía instantánea es capaz de reproducir fielmente los objetos en acción, como una calle animada, un mercado, un caballo galopando, un acompañamiento nupcial y los demás asuntos análogos.

Por G. Le Bon

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Los naipes y su origen Árabe

Cartas Mamelucas

Los juegos de naipes llegaron a Europa procedentes desde Oriente, pero no como un objeto tangible, sino en forma de descripción en los relatos y textos de distintos viajeros. De este modo se expandió por Europa la idea de los naipes, que generó posteriormente los diversos modelos de barajas.

Los persas remontan su invención anterior a los tiempos bíblicos y los árabes usaban la baraja o naib, como la nombraban, en el siglo XIII.

Naipes Mamelucos

Forman parte del acervo del museo Topkapi Sarayi, en Estambul, un conjunto de cartas de juego. Son cartas de grandes dimensiones, (25,5 x 9,5 cm), pintadas a mano, con detalles en oro. Hay indicios que habría sido un regalo del gobernador mameluco de Egipto al sultán Otomano, a mediados del siglo XV.

Al estudiar estas cartas en 1938, L. A. Meyer, un importante investigador de influencia árabe en Europa, ha concluido que el modelo podría haber sido el precursor de las barajas europeas. Aunque sin las tradicionales cartas figurativas, (reyes, reinas, caballeros y sotas, comunes en las barajas más antiguas de la región), la semejanza estructural y de los símbolos que identifican a los naipes es notable.

La inexistencia de las figuras se relaciona con la tradición árabe de evitar la representación figurativa de las personas, explicada por algunos como una prohibición formal de base religiosa y por otros, simplemente, por ser considerada de mal gusto estético. Pero, en su baraja, identificaba cartas que representaban a reyes, virreyes de primera y virreyes de segunda; exactamente tres ‘figuras reales’, como en la mayoría de las barajas europeas. Constaba de 52 cartas, como también se encuentran en muchos tipos de barajas, especialmente en la versión más popular de las barajas modernas.

El descubrimiento de otras cartas con dimensiones menores y presentaciones menos lujosas que las encontradas en el museo Topkapi Sarayi, probablemente producidas en el siglo XII, ha mostrado evidencias consistentes de que nuestras barajas actuales fueron, casi seguramente, originarias de este juego mameluco. Estudios y análisis realizados en la década de 1970, principalmente por miembros de la International Playing Card Society, (IPCS, Sociedad internacional de juegos de cartas), como el Prof. Sir Michael Dummett, de la Universidad de Oxford, consolidaron la versión del origen mameluco de la baraja europea.


Cartas de una baraja turca del siglo XV

Legado Árabe

Afirmar que los naipes llegaron de Oriente es sólo una primera y poco específica aproximación a su origen, ya que esta evidencia sólo sirve como indicación de que no son una creación europea pero no definía su origen exacto. A finales del siglo XIV, principios del XV, Oriente comprendía el norte de África, el sur de la Península Ibérica ocupado por los árabes, el este europeo y los países asiáticos comprendidos entre los mares Mediterráneo y Rojo y el golfo Pérsico.

Giovanni di Covelluzzo, en las Crónicas de Viterbo dice: “En el año 1379, ha llegado un juego de cartas a Viterbo proveniente del país de los sarracenos, denominado naib”. También se encontraron referencia y barajas de origen árabe, con características semejantes en la península Ibérica. No es coincidencia que Italia y España fueran los principales puntos de contacto entre los mamelucos y europeos, durante el siglo XIV. Es por esta razón que las ‘barajas’ en España se denominan naipes.

Los naipes o cartas para jugar se han atribuido asimismo, a Marco Polo, quien los habría traído de China, pero parece que Marco Polo no llegó a China y que todas las historias que de allí contó las había oído en Oriente Medio. Otras teorías atribuyen la expansión de las cartas en Occidente a las Cruzadas, e incluso, durante mucho tiempo circularon historias atribuyendo la invención de las cartas a ciertos personajes, (Vilhán, Nicolás Papin…), que en muchos casos resultaron ficticios.

Lo cierto es que fue en Oriente Medio donde se encontraron las primeras barajas de 52 naipes, pintadas a mano y con los cuatro palos que han llegado nuestros días.

Los naipes españoles

La historia deja clara constancia de que en 1331 esta forma de entretenimiento gozaba de cierto arraigo en España, ya que justamente ese año, Alfonso XI prohibió a los caballeros de la Orden de la Banda por él fundada que interviniesen en partidas de naipes, quienes pasarán su tiempo libre en el “nefasto juego”.

Una de las referencias escritas más antigua que se dispone data de 1371 y se encuentra en el “Diccionario de la Rima” del poeta catalán Jaume March, en el que por primera vez aparece la palabra “naip”. Se cree que lo trajeron los árabes o Mamelucos, pero como era difícil de entender los símbolos árabes, los sustituyeron por otros de la tradición popular.

En el museo Británico de Londres existe un manuscrito de 1377, de un monje alemán, mencionando el juego de las cartas para enseñar y educar.

En Italia, una crónica de Viterbo del año 1379 trata del “Gioco della Carta”. En Francia, se hace referencia al juego de los naipes en un manuscrito de 1381 de la Notaría de Laurent Aycardi de la ciudad de Marsella.

En el Archivo Histórico de ciudad de Barcelona se recogen unas Ordenanzas publicadas en 1382, donde se prohibía el empleo de los juegos de azar, entre ellos estaban los naipes, y fueron leídas por el pregonero en las calles y plazas barcelonesas; “no gos jugar a nengun joch de daus, ni de taules, ni de naips..”.

Por último en 1384, el Consejo General de la ciudad del Turia, en Valencia, dispuso la prohibición de un novel joch apellat dels naips.

En 1387, Juan I prohibió por precepto la práctica de los juegos de cartas. En 1397, el Preboste de París, Francia, publicó una orden prohibiendo el uso de la baraja.

En 1543, se acuerda que nadie pueda entrar naipes en España para dar, un año más tarde, la exclusiva de las ventas al banquero de Medina e imponer, en el siglo XVII, el impuesto conocido como “renta de naipes”.


Primera baraja española, Sevilla 1390

Fabricación de los naipes

En un principio, las barajas no estaban al alcance de todos. Comerciantes, burgueses y nobleza eran los únicos que podían pagar a un miniaturista para que en las piezas, normalmente de madera, dejara impresas alusiones a oficios, naturaleza, orfebrería o trajes propios de sus países y de la época.

Primero los naipes se realizaban totalmente a mano por artistas llamados pintores naiperos, más tarde, en pleno siglo XV se industrializa su fabricación mediante la impresión xilográfica, dicha técnica consiste en imprimir mediante moldes de madera de boj o peral, grabados en alto relieve. Los colores se aplicaban por dos procedimientos: MORISCA o TREPAS.

El pintado a la MORISCA se realizaba sin pincel, es decir con los dedos, consistía en dar unos toques de color sobre el grabado ya impreso en color negro. El procedimiento de TREPAS, consistía en emplear patrones de cartón, troquelados, sobre los que se pasaba una brocha con el color correspondiente.

La evolución de la baraja francesa a la inglesa se produjo por accidente. En 1628, para favorecer la fabricación interna de naipes se prohibió la importación de las reputadas cartas francesas; los grabadores ingleses, menos talentosos que sus colegas continentales, optaron por unos trazos más sencillos.

Durante las décadas siguientes, con el voraz colonialismo británico, la baraja inglesa se convirtió en la más usada en el mundo entero.

En 1832, el fabricante Thomas de la Rue, de Londres implanta un nuevo sistema de impresión, llamado litografía que sustituye a la xilografía, con este descubrimiento, obtiene una distinción de la Corona Inglesa, el nuevo proceso consistía en dibujar perfiles y colorear sobre una piedra litográfica, lo cual permitía un perfecto ajuste entre los colores, llegando a hacer naipes con 16 colores diferentes.

Hacia el año 1868, los naiperos españoles emplean moldes de plomo y comienzan a grabar los dibujos sobre planchas de cobre.

En la actualidad la plancha de zinc y aluminio ha sustituido a la piedra litográfica.

Hay quien asegura que las 52 cartas de la baraja representan las semanas del año; las 12 figuras, los signos zodiacales; las 13 cartas de cada palo, los 13 meses lunares, y las cuatro estaciones. Sin embargo, esta teoría resulta bastante improbable teniendo en cuenta que después del tiempo transcurrido deberían haberse visto afectadas por mutaciones en sus símbolos y formas.

Algo más creíble resulta la consideración de que los palos de la baraja tienen significaciones mucho más concretas. Según este criterio, en la Baraja Española de 48 naipes, divididos en los cuatro símbolos apuntados: Oros simbolizarían el comercio; las Espadas, la nobleza y al ejército; los Bastos, la agricultura o estado llano, y las Copas, la religión. Cada serie es de doce cartas cada una, siendo su numeración del uno, (conocido por «As« hasta el doce. Esta última carta y las dos anteriores, o sea el 11 y el 10, se conocen por los nombres de ReyCaballo Sota respectivamente).

En la Baraja Francesa, (también llamado la Baraja Americana), se compone de 52 naipes, divididos también en cuatro palos que reciben la denominación de PicaTrébolDiamante y Corazón.

El simbolismo de estos palos es por el estilo del español, ya que los corazones representan a la Iglesia; los diamantes, como emblema de riqueza, a la aristocracia; los tréboles simbolizan al ejército y las picas a los obreros.

Con información de Historia y Arabismo


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Cine Palestino: El Ídolo (Ya tayr el tayer)

«NO DEJES QUE NADIE TE DIGA QUE TUS SUEÑOS NO SE HARÀN REALIDAD»

Un film de Hany Abu-Assad, cineasta nacido en Nazaret, reconocido mundialmente por sus obras con contenido real de la vida en la Palestina actual.

Entre sus más importantes producciones se pueden mencionar “La boda de la rana”(2002)

Paradise Now  (2005), film ganador del Globo de Oro y nominado para los Oscar, y Omar (2013).

El Ídolo es una historia basada en la vida de Mohammad Assad, el joven palestino ganador de “Arab Idol”.

El film narra la infancia del niño de 10 años, su hermana de 12 y sus dos mejores amigos, sus deseos de conseguir instrumentos para conformar una banda, las excepcionales dotes de cantante del pequeño Mohammed y, claro, el contexto de violencia y rigores en la región (aunque nunca forzado ni exagerado). Tras un hecho trágico que es mejor no adelantar, esta épica salta a la juventud del ya veinteañero protagonista (Tawfeek Barhom) y su intento por competir en Arab Idol, lo que implica viajar primero a El Cairo (Egipto) y luego a Beirut (Líbano).

Un niño en Gaza, Mohammad Assaf, sueña con cantar en la Ópera de El Cairo con su hermana y mejor amiga, Nour. Un día, Nour colapsa y es llevado al hospital donde se descubre que necesita un trasplante de riñón. Nour deja a Mohammad con un deseo moribundo de que algún día cante en El Cairo. Escapando de Gaza a Egipto contra las probabilidades increíbles, Assaf hace el viaje de su vida. Basado en la increíble historia de Mohammad Assaf, el cantante de bodas de Gaza que se convirtió en una sensación mundial después de ganar ‘Árabe Idol’ en 2013.

Assaf nació en Libia pero se crió en el campamento de refugiados de Khan Younis en Gaza. Su talento musical quedó sin descubrir excepto para cantar en bodas y una aparición en un espectáculo de talento palestino. Esto fue hasta que fue alentado por su madre a competir por Árab Idol . Las audiciones en Egipto eran fáciles de alcanzar para la mayoría de los competidores árabes, pero no para un palestino de Gaza.


Estreno mundial- Festival Internacional de Cine de Toronto 2015 –

Ficha técnica:

Título original: Ya tayr el tayer
Origen: Holanda-Palestina-Qatar-Reino Unido (2015).
Dirección: Hany Abu-Assad.
Guión: Hany Abud-Assad, Sameh Zoabi.
Música: Habib Shehadeh Hanna
Intérpretes: Tawfeek Barhom, Kais Attalah, Hiba Attalah. Distribuidora: Mont Blanc Cinema.100 min. ATP.


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Las Musas del Poeta

Kamile Rahme ©Gibrán Khalil Gibrán

LAS MUJERES

“Fueron las mujeres quienes abrieron las ventanas de mis ojos y las puertas de mi Espíritu”  

Gibrán Khalil Gibrán.

Mujeres que formaron y acompañaron la vida del artista en su corto paso por esta tierra.

Ellas fueron parte de sus obras, inspiradoras activas de su arte.

 Kamile Rahme, su madre

Su nombre significa “la perfecta”

Nacida en el seno de una familia maronita, oriunda de Becharre, ubicado en la zona montañosa al norte de Líbano.

Poseedora de  una gran sensibilidad por el arte, tocaba el laúd. Bella e inteligente, Kamile  fue  quien sostuvo al joven Gibrán en su exilio cuando éste tenía apenas 12 años.

Marianna y Sultana, sus hermanas:

Marianna, costurera de profesión, dedicaba su tiempo a confeccionar con delicadeza y devoción, las prendas que lucía Gibrán, con  gusto exquisito. Nunca se casó. La gratitud y admiración por su hermana se ve plasmada en  El Profeta, un tejedor pide: Háblanos del vestir. Y el protagonista le dice: Vuestra ropa cubre mucho de vuestra belleza y, sin embargo, no cubre lo que no es bello.

Sultana, Según Fred Holland Day, era la que más se le parecía. Gibrán sentía gran afecto por ella y su inesperada muerte, en 1902 lo afectó profundamente.

Mary Hanskell:

Propietaria de un reconocido colegio de señoritas en esa ciudad. Con gran capacidad intelectual, conoce a Gibrán durante la inauguración de su primera muestra de dibujos al carbón. Se inicia la relación intelectual y amorosa más trascendente de Gibrán. Mary es quien instiga al escritor a escribir sus obras en inglés. Es ella la que le paga las estancias en París para estudiar pintura. Es ella quien después de la muerte de Gibrán, junto con Marianna y Barbara Young, conserva y difunde el patrimonio del autor.

Cuando estoy triste, querida Mary, leo tus cartas. Cuando la bruma vence a mi yo, saco dos o tres cartas de su pequeña caja y las releo. Ellas me recuerdan la verdad de mí mismo. Me hacen dejar de lado todo aquello que no es ni alto ni hermoso en la vida. Cada uno de nosotros, querida Mary, debe tener un lugar de descanso en algún sitio. El lugar de descanso de mi alma es un bello huerto donde vive mi conocimiento de ti.

Josephine Preston Peabody:

Conocida también como Posy, poeta y dramaturga, constituirá con Gibrán una relación intelectual. Fotografías de ella forman parte del menaje más íntimo de Gibrán.

Gran crítica literaria, se dice que la máxima obra del libanés, El Profeta, se debe al ingenio y profundidad inventiva de la autora de Canciones (1923), cuando advirtió, tras conocer el manuscrito en 1903, que se trataba, efectivamente, de un texto profético. Ella le llamó mi joven profeta. Él dedicará el emblemático libro a su memoria.

 Barbara Young:

Cuyo verdadero nombre era Henrietta Breckenridge Boughton, fue crítica literaria en la década de los veinte.  Conoce al autor en Nueva York en 1926. Ella desempeñará un papel fundamental en la administración y difusión del archivo personal y los manuscritos del artista quien profesaba por Barbara un profundo amor y admiración recíprocos.

Bárbara Young escribió el libro This man from Lebanon, un ensayo sobre la vida y obra de Gibrán Khalil Gibrán. Al hacerlo, Henrietta Breckenridge Boughton, debió decir de él lo que Decroix de Chaplin: «Al artista cuya alma seguramente rebasa al oficio».

Con información de Museo Soumaya / Mónica López Velarde Estrada

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Cuando sople tu viento…

Refrán Árabe: «Cuando sople tu viento, aprovéchalo…»

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Los artistas de Palestina se mueven para salvar lo viejo a través de lo nuevo

Una vez que el centro de una pequeña y tranquila ciudad al sureste de Belén, las últimas décadas han visto a las generaciones más jóvenes salir gradualmente de la Ciudad Vieja de Beit Sahour para una vida más moderna, más espacio y mejores oportunidades en el extranjero, no encontrados en una economía sofocada por 50 años de ocupación israelí.

Como resultado, muchos edificios antiguos, con sus gruesos muros de piedra, sus interiores abovedados y sus ventanas arqueadas, han sido descuidados después de pasar de familia a familia y enfrentamientos duraderos de presencia militar israelí que también han sido inherentes a la ocupación de décadas.

Pero en los últimos años, jóvenes artesanos de toda la Cisjordania ocupada, atraídos por el ambiente sereno y cada vez más vanguardista de Beit Sahour, han inculcado una nueva vida en el centro histórico de la ciudad: renovar las casas abandonadas y los escaparates para crear arte comunitario Mientras que el modelado de una alternativa radical y el rechazo de los principales modos convencionales de la producción cultural.

Un colectivo de artistas palestinos llamado MishwArt – un juego de la palabra árabe mishwar (un paseo) – lanzó tours de arte guiado esta primavera, para ayudar a promover los talleres y salas de exposición que han aparecido en la Ciudad Vieja en los últimos años.

Los tours han conectado a artistas locales y han consolidado la creciente identidad progresista de la comunidad, que parece estar haciendo un esfuerzo concienzudo para recuperar el patrimonio cultural y político de Beit Sahour y vivir en armonía con los residentes de la Ciudad Vieja.

Kristel Elayyan, que forma parte de la iniciativa MishwArt, participó en la construcción de uno de los primeros negocios para renovar la zona, Singer Cafe. Reconoció que los residentes de la Ciudad Vieja han sido tímidos al interactuar con el paisaje cambiante del vecindario.

“Ellos nos ven caminando y quizá están un poco interesados”, le dijo a Ma’an, cuando un grupo de turistas se paseaba por la Ciudad Vieja una tarde caliente a finales de junio. “En general, son principalmente los extranjeros los que están interesados. Sería realmente agradable si jóvenes artistas palestinos u otros locales se unieran. Pero no es un hábito aquí todavía, esta escena de arte es muy nuevo para Beit Sahour “.

Coincidiendo con la gira del día MishwArt fue la apertura de una nueva galería de arte independiente en la Ciudad Vieja. Su fundador, Riham Isaac, transformó la casa de su abuela de un estado de deterioro en Salón de Arte, concebido como una plataforma abierta para la creación de arte y la promoción de la comunidad cultural de la zona.

-Esto es muy valioso -dijo Isaac, haciendo gestos hacia la exposición inaugural, resultado de un proyecto colaborativo en el que proporcionaba pintura y madera a quien quisiera unirse. “Este es un espacio independiente con nadie que nos apoya, por lo que comprar cualquier cosa será el apoyo!”

La multitud de fumadores de cigarrillos que beben cerveza que se derrama en la calle desde el salón de arte, junto con los juerguistas de la novena anual y endearingly país faqqous festival (una especie de pepino borrosa indígena de la zona), hace una tarde particularmente festiva en subdued Beit Sahour.

En la vanguardia de los espacios de arte cooperativo en la zona fue Resign, una iniciativa totalmente desarrollada de upcycling y diseño ambiental lanzada en 2013 por Ala Hilu, nativa de Belén, con raíces en el taller de la Ciudad Vieja, pero con proyectos enriqueciendo comunidades en Cisjordania.

En los años desde que abrió su taller, Hilu ha tomado un papel activo en animar a otros a venir a Beit Sahour y contribuir a la escena artística.

Sin embargo, según él, siempre ha habido artistas en Beit Sahour – pintores, cineastas, cantantes – pero no siempre han estado involucrados en ningún tipo de comunidad unificada.

“En los años de la Segunda Intifada, muchas empresas aquí se vieron obligadas a cerrar, y la gente tenía que centrarse en recuperarse de eso y traer ingresos. Hacer este tipo de arte se convirtió en algo secundario “, explicó Hilu.

“MishwArt es reconectar a estas personas, lo cual es genial. Este tipo de arte existe ahora en Beit Sahour, no podemos negarlo. Pero necesitamos más tiempo para descubrir quién está haciendo arte aquí “.

El estudio de Hilu se divide en cuatro cámaras principales: una sala de formación donde celebra talleres; La sala de servicio pesado para maquinaria más grande; Una sala de almacenamiento apilada desde el piso hasta los techos con diferentes tipos de madera, neumáticos de goma, tubos, chatarra, botellas, muebles viejos rasgados para su reutilización; Y, finalmente, una sala de exposición adecuada, que todavía está recibiendo sus toques finales.

Él exhibió algunas de sus creaciones para el paseo de arte en la sala de entrenamiento – puños de muñeca y pendientes hechos de cubiertos plateados, una lámpara hecha de brochetas de barbacoa, otra de un filtro de máscara de gas.

“El upcycling se considera generalmente como arte terminante pero, pero para mí es diferente. Lo hago más para concienciar sobre la reducción del consumo y la dependencia del consumismo. No es sólo ambiental, se trata de una cuestión política, humana “, explicó Hilu

Al igual que Resign y Art Salon, la más reciente incorporación a la gira de MishwArt también está orientada a proporcionar un espacio de colaboración para artistas locales. La idea para Beit al-Musika, o casa de la música, nació cuando Tariq Abu Salameh y Nour al-Raai estaban estudiando funcionamiento de la música en la universidad de Dar al-Kalima en Bethlehem.

Los multi-instrumentistas realizan semanalmente en un bar cercano llamado al-Jisr, donde dan plataforma a una formación rotativa de músicos y cantantes locales, pero los dos también planean celebrar los eventos de la tarde “Música en la Casa” en su nuevo espacio En la Ciudad Vieja pronto. Ni un instituto ni una escuela de música, la Casa de la Música, supuestamente abierta las 24 horas del día, es un lugar para los músicos para compartir su experiencia creativa y sus instrumentos, Abu Salameh dijo a la sala llena de paseantes de arte, antes de él y al-Raai dio un Impromptu, un poco fuera de tune oud rendimiento, debido a un nuevo conjunto de cadenas.

Music House espera animar a los artistas a ser sus propios productores, en lugar de verse obligados a trabajar dentro de los confines de las etiquetas de música convencional y las instituciones, que a menudo promueven estereotipos sexistas o racistas, Abu Salameh dijo.

Según él, hay dos direcciones en el mundo de la música de Palestina: músicos “fusión” agujereados que siguen las tendencias globales sin hacer ninguna innovación atractiva; Y en el otro extremo, aquellos que realizan música árabe tradicional que se desaniman por sus compañeros y mentores de virar fuera de las formas establecidas, rígidas.

“Nuestro experimento es analizar la música y descubrir qué nuevas formas y nuevas estructuras podemos introducir en el mundo árabe”, dijo.

Una parada en el paseo de arte, que puede resultar ser su más duradera, es el taller escondido de Aref Sayed, que ha alcanzado humildemente un nivel de aclamación regional por su magistralmente restaurado, así como la costumbre a medida de cuerda Instrumentos, como el oud, el qanun, el buzuki y el violín.

Originario de la Ciudad Vieja de Jerusalén, Sayed regresó a Palestina después de estudiar su arte en Alemania, Turquía e Italia, y abrió su taller en Beit Sahour en 2015.

Cuando se le preguntó por qué eligió a Beit Sahour para establecer sus medios de subsistencia, Sayed descartó la posibilidad de lanzar tal empresa en su ciudad natal, Jerusalén Oriental ocupada, a pocos kilómetros de distancia, donde los empresarios palestinos enfrentan obstáculos burocráticos y políticas discriminatorias a manos de los Controlado por Israel.

“En Jerusalén, todo es diferente -política, económicamente- mientras que aquí la gente está más abierta”, dijo.

Por: Lily Leach
Fuente: Desinformémonos

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El Seed: «La escritura árabe llega al alma antes que a los ojos»

El artista franco-tunecino, lleva por un mundo un mensaje de paz mediante sus caligraffitis, con los que también busca ser un embajador de la cultura árabe.

En 2012, el artista graffitero el Seed buscaba una pared en la ciudad de Gabes, en Túnez, de donde es oriunda su familia. El minarete de la mezquita de Jara fue el escogido.

«Resulta que el minarete se estaba construyendo desde 1994. Durante 18 años, los 57 metros de cemento habían permanecido grises. Cuando me reuní con el imán y le dije lo que quería hacer me dijo: «Gracias a Dios, por fin llegaste» y me dijo que todos esos años estuvo esperando a alguien que hiciera algo al respecto. No me pidió nada, ni un boceto ni nada de lo que iba a escribir», recuerda el artista, durante una charla TED en la ciudad de Vancouver.

El minarete de la mezquita de Jara, con el mensaje de el Seed

«En cada obra que creo escribo mensajes con mi estilo de caligraffiti, que es una mezcla de caligrafía con graffiti. Uso citas o poesía – explica-. Pensé que el mensaje más adecuado para el minarete para colocarlo en una mezquita debía originarse en el Corán, así que elegí este versículo: «¡Oh, humanidad! Nosotros los creamos a partir de un solo hombre y una sola mujer y los hicimos pueblos y tribus para que pudieran conocerse unos a otros.» Fue una llamada universal a la paz, la tolerancia y la aceptación por parte de los que, por lo general, no tienen una buena imagen en los medios.»

La reacción fue inmediata: el resultado final combinado con el mensaje y las características de su obra no pasaron inadvertidas para la prensa internacional. En los últimos años, el Seed ha pintado sus caligraffitis en diferentes partes del mundo, desde Río de Janeiro hasta Ciudad del Cabo. «Estoy muy orgulloso de mi cultura y trato de ser su embajador haciendo uso de mi arte y espero que pueda romper los estereotipos que todos conocemos con la belleza de la escritura árabe», asegura.



 «Escribir mensajes es la esencia de mi obra. Lo divertido es que, en realidad, incluso la gente que habla árabe necesita realmente fijarse bien para descifrar lo que estoy escribiendo. Pero no hace falta saber lo que está escrito para sentir la pieza. Creo que la escritura árabe llega al alma antes que a los ojos. Tiene una belleza intrínseca que no es necesario traducir. Creo que la escritura árabe le habla a cualquiera. Siempre me aseguro de escribir mensajes relevantes para el lugar donde estoy pintando pero mensajes que tengan una dimensión universal.»

Claro que, en ocasiones, la reacción no es la esperada. En una ocasión en París, en el marco de un evento, alguien le ofreció su pared para pintar. «Cuando vio que estaba pintando en árabe estaba tan enojado, histérico, que pidió que borrara la pared. Una semana más tarde, el organizador del evento me pidió que regresara y me dijo que había otra pared, justo enfrente de la casa de esta persona. Así que este hombre estuvo obligado a ver mi pintura todos los días. Escribí: Abre tu corazón.»

Con información de La Nación

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