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Los artistas de Palestina se mueven para salvar lo viejo a través de lo nuevo

Una vez que el centro de una pequeña y tranquila ciudad al sureste de Belén, las últimas décadas han visto a las generaciones más jóvenes salir gradualmente de la Ciudad Vieja de Beit Sahour para una vida más moderna, más espacio y mejores oportunidades en el extranjero, no encontrados en una economía sofocada por 50 años de ocupación israelí.

Como resultado, muchos edificios antiguos, con sus gruesos muros de piedra, sus interiores abovedados y sus ventanas arqueadas, han sido descuidados después de pasar de familia a familia y enfrentamientos duraderos de presencia militar israelí que también han sido inherentes a la ocupación de décadas.

Pero en los últimos años, jóvenes artesanos de toda la Cisjordania ocupada, atraídos por el ambiente sereno y cada vez más vanguardista de Beit Sahour, han inculcado una nueva vida en el centro histórico de la ciudad: renovar las casas abandonadas y los escaparates para crear arte comunitario Mientras que el modelado de una alternativa radical y el rechazo de los principales modos convencionales de la producción cultural.

Un colectivo de artistas palestinos llamado MishwArt – un juego de la palabra árabe mishwar (un paseo) – lanzó tours de arte guiado esta primavera, para ayudar a promover los talleres y salas de exposición que han aparecido en la Ciudad Vieja en los últimos años.

Los tours han conectado a artistas locales y han consolidado la creciente identidad progresista de la comunidad, que parece estar haciendo un esfuerzo concienzudo para recuperar el patrimonio cultural y político de Beit Sahour y vivir en armonía con los residentes de la Ciudad Vieja.

Kristel Elayyan, que forma parte de la iniciativa MishwArt, participó en la construcción de uno de los primeros negocios para renovar la zona, Singer Cafe. Reconoció que los residentes de la Ciudad Vieja han sido tímidos al interactuar con el paisaje cambiante del vecindario.

“Ellos nos ven caminando y quizá están un poco interesados”, le dijo a Ma’an, cuando un grupo de turistas se paseaba por la Ciudad Vieja una tarde caliente a finales de junio. “En general, son principalmente los extranjeros los que están interesados. Sería realmente agradable si jóvenes artistas palestinos u otros locales se unieran. Pero no es un hábito aquí todavía, esta escena de arte es muy nuevo para Beit Sahour “.

Coincidiendo con la gira del día MishwArt fue la apertura de una nueva galería de arte independiente en la Ciudad Vieja. Su fundador, Riham Isaac, transformó la casa de su abuela de un estado de deterioro en Salón de Arte, concebido como una plataforma abierta para la creación de arte y la promoción de la comunidad cultural de la zona.

-Esto es muy valioso -dijo Isaac, haciendo gestos hacia la exposición inaugural, resultado de un proyecto colaborativo en el que proporcionaba pintura y madera a quien quisiera unirse. “Este es un espacio independiente con nadie que nos apoya, por lo que comprar cualquier cosa será el apoyo!”

La multitud de fumadores de cigarrillos que beben cerveza que se derrama en la calle desde el salón de arte, junto con los juerguistas de la novena anual y endearingly país faqqous festival (una especie de pepino borrosa indígena de la zona), hace una tarde particularmente festiva en subdued Beit Sahour.

En la vanguardia de los espacios de arte cooperativo en la zona fue Resign, una iniciativa totalmente desarrollada de upcycling y diseño ambiental lanzada en 2013 por Ala Hilu, nativa de Belén, con raíces en el taller de la Ciudad Vieja, pero con proyectos enriqueciendo comunidades en Cisjordania.

En los años desde que abrió su taller, Hilu ha tomado un papel activo en animar a otros a venir a Beit Sahour y contribuir a la escena artística.

Sin embargo, según él, siempre ha habido artistas en Beit Sahour – pintores, cineastas, cantantes – pero no siempre han estado involucrados en ningún tipo de comunidad unificada.

“En los años de la Segunda Intifada, muchas empresas aquí se vieron obligadas a cerrar, y la gente tenía que centrarse en recuperarse de eso y traer ingresos. Hacer este tipo de arte se convirtió en algo secundario “, explicó Hilu.

“MishwArt es reconectar a estas personas, lo cual es genial. Este tipo de arte existe ahora en Beit Sahour, no podemos negarlo. Pero necesitamos más tiempo para descubrir quién está haciendo arte aquí “.

El estudio de Hilu se divide en cuatro cámaras principales: una sala de formación donde celebra talleres; La sala de servicio pesado para maquinaria más grande; Una sala de almacenamiento apilada desde el piso hasta los techos con diferentes tipos de madera, neumáticos de goma, tubos, chatarra, botellas, muebles viejos rasgados para su reutilización; Y, finalmente, una sala de exposición adecuada, que todavía está recibiendo sus toques finales.

Él exhibió algunas de sus creaciones para el paseo de arte en la sala de entrenamiento – puños de muñeca y pendientes hechos de cubiertos plateados, una lámpara hecha de brochetas de barbacoa, otra de un filtro de máscara de gas.

“El upcycling se considera generalmente como arte terminante pero, pero para mí es diferente. Lo hago más para concienciar sobre la reducción del consumo y la dependencia del consumismo. No es sólo ambiental, se trata de una cuestión política, humana “, explicó Hilu

Al igual que Resign y Art Salon, la más reciente incorporación a la gira de MishwArt también está orientada a proporcionar un espacio de colaboración para artistas locales. La idea para Beit al-Musika, o casa de la música, nació cuando Tariq Abu Salameh y Nour al-Raai estaban estudiando funcionamiento de la música en la universidad de Dar al-Kalima en Bethlehem.

Los multi-instrumentistas realizan semanalmente en un bar cercano llamado al-Jisr, donde dan plataforma a una formación rotativa de músicos y cantantes locales, pero los dos también planean celebrar los eventos de la tarde “Música en la Casa” en su nuevo espacio En la Ciudad Vieja pronto. Ni un instituto ni una escuela de música, la Casa de la Música, supuestamente abierta las 24 horas del día, es un lugar para los músicos para compartir su experiencia creativa y sus instrumentos, Abu Salameh dijo a la sala llena de paseantes de arte, antes de él y al-Raai dio un Impromptu, un poco fuera de tune oud rendimiento, debido a un nuevo conjunto de cadenas.

Music House espera animar a los artistas a ser sus propios productores, en lugar de verse obligados a trabajar dentro de los confines de las etiquetas de música convencional y las instituciones, que a menudo promueven estereotipos sexistas o racistas, Abu Salameh dijo.

Según él, hay dos direcciones en el mundo de la música de Palestina: músicos “fusión” agujereados que siguen las tendencias globales sin hacer ninguna innovación atractiva; Y en el otro extremo, aquellos que realizan música árabe tradicional que se desaniman por sus compañeros y mentores de virar fuera de las formas establecidas, rígidas.

“Nuestro experimento es analizar la música y descubrir qué nuevas formas y nuevas estructuras podemos introducir en el mundo árabe”, dijo.

Una parada en el paseo de arte, que puede resultar ser su más duradera, es el taller escondido de Aref Sayed, que ha alcanzado humildemente un nivel de aclamación regional por su magistralmente restaurado, así como la costumbre a medida de cuerda Instrumentos, como el oud, el qanun, el buzuki y el violín.

Originario de la Ciudad Vieja de Jerusalén, Sayed regresó a Palestina después de estudiar su arte en Alemania, Turquía e Italia, y abrió su taller en Beit Sahour en 2015.

Cuando se le preguntó por qué eligió a Beit Sahour para establecer sus medios de subsistencia, Sayed descartó la posibilidad de lanzar tal empresa en su ciudad natal, Jerusalén Oriental ocupada, a pocos kilómetros de distancia, donde los empresarios palestinos enfrentan obstáculos burocráticos y políticas discriminatorias a manos de los Controlado por Israel.

“En Jerusalén, todo es diferente -política, económicamente- mientras que aquí la gente está más abierta”, dijo.

Por: Lily Leach
Fuente: Desinformémonos

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“Aldabetas” que dejan huella

Los casas y corrales de los dos barrios de Brime de Sog cuentan con casi un centenar de artilugios articulados para abrir puertas, todos ellos diferentes.

«Aldabeta la puerta», decían las abuelas para indicarnos que la puerta de la calle estuviese cerrada. El artilugio mecánico instalado en la puerta para realizar el proceso de apertura o cierre vino a darle nombre para que el acceso estuviese cerrado.

La localidad de Brime de Sog cuenta con casi el centenar de «aldabetas», todas ellas diferentes, en las viejas puertas y portalones de las no menos antiguas casas y corrales. Entre los dos barrios que constituyen el pueblo de Brime de Sog, las huellas del herrero han dejado su registro en la historia no sólo en los utensilios y aperos de labranza, sino en la parte más visible, las puertas de acceso a las viviendas, a los pajares y corrales.

En este como en casi todos los pueblos de los Valles, la existencia de una fragua constituía uno de los oficios más necesarios y Brime de Sog, contaba no sólo con un profesional del oficio, sino dos e, incluso tres. Cada uno de los barrios de Brime, tanto el de Arriba, en dirección a San Pedro de Ceque, como el de Abajo, en dirección a Santibáñez, los vecinos disponían hace más de medio siglo con los servicios de un herrero.

Es en el Barrio de Abajo, el que abre a la calzada romana, a la Vía XVII en el itinerario del emperador Antonino, en el que todavía se pueden apreciar en la mayoría de las puertas de edificaciones antiguas, las aldabetas. Esos instrumentos articulados dominan el manillón o tirador, coronado éste por una chapa que gracias a la presión del dedo pulgar acciona la lengüeta apoyada sobre el gancho o nariz en la otra hoja de las puertas y es lo que permite su apertura. Aldabetas que no aldabas, ya que estas últimas son las que carecen del artilugio para abrir la puerta, únicamente forman parte del tirador o del llamador.

De este nombre con sugestiva figura de un puño, de la mano de Fátima o jamsa, símbolo de la cultura popular árabe, que significa «cinco» en referencia a los dedos de una mano, se debería el nombre de «ad-dabbah», de cerrar la puerta.

El manillón o tirador metálico de la aldabeta se asienta sobre el escudo de chapa con los más variados motivos y patrones. Tal es su número y variado que no se encuentra otro igual en el resto de las puertas y portalones del pueblo de Brime de Sog. Incluso de la misma propiedad o con factura del mismo herrero. Es precisamente esta característica la que marca la impronta del profesional de la fragua. Cada puerta con su aldaba. El oficio del herraje sería similar en utensilios y aperos de labranza, pero aquí, en la fabricación de las aldabetas o de las aldabas no existe denominador común, ya que la originalidad es la propia marca del herrero.

Fabricados estos elementos que forman parte aislada de la cerradura de la puerta, en muy pocos casos combinados, se instalaban en una hoja de la puerta. Habitualmente en la hoja derecha frente al usuario y en la hoja contraria se instalaba la cerradura con el ojo de la llave o el bocallave. En el caso de puertas con una única hoja se instalaban los dos elementos, la cerradura y la aldabeta en lugares diferentes, precisamente para no dificultar la apertura. Con una mano se introducía la llave y con la otra se accionaba la aldabeta. La llave y su bocallave (el escudo de chapa o aplique sobre la madera con el dibujo para ser introducida en la cerradura), y más aún las aldabetas forman parte del instrumento que facilita la primera toma de contacto, de la relación entre vecinos. Gracias a ellas se abre la puerta de la comunicación.

La sencillez de estos artilugios, los elementos utilizados, hojalata, chapa o metal, no son ajenos para que el herrero a través de una plantilla procurase la originalidad. En no pocas ocasiones el dibujo salía en pleno proceso de hechura. Pero eso si, diferentes, porque cada puerta es única y cada huella de metal también lo es. Los simbolismos llegan a estar presentes en estos instrumentos, como pueden ser los religiosos o los más profanos. Marcas de cruces o motivos florales e, incluso, una apariencia zoomórfica forman parte de la hechura de cada uno de los herreros que han llegado a dejar su impronta en esta localidad. En esta vidrialesa de Brime y de Sog como en las de la zona de los Valles y de la Carballeda.

Las edificaciones que rodean al edificio que antiguamente fuera la ermita dedicada a San Roque abren sus accesos a esta plaza. Y todas sus puertas antiguas gozan de este privilegio del herrero. O de los herreros porque en este Barrio de Abajo llegaron a compaginar el oficio dos avezados profesionales de la fragua, uno vecino del pueblo y el otro llegado desde el vecino Santibáñez.

Por Miguel Ángel Casquero
Con información de La Opinión

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Historia del Azulejo

« Azulejo » es una palabra de origen árabe empleada en España y en Portugal para designar una baldosa cerámica cubierta con un esmalte opaco. Desde el siglo XIII, en estos dos países se utilizaron mucho los azulejos para cubrir y decorar paredes, suelos, techos, fuentes y chimeneas.

Etimología 

Esta palabra deriva del árabe  الزليج  « al zulaycha » que significa pequeña piedra pulida, y no de « azul », como se lee a menudo. El hecho es que hay muchos azulejos azules, lo que crea confusión, pero históricamente, los primeros azulejos producidos en el sur de España en el siglo XIII eran de color más bien verde, marrón y amarillo.

¿Por qué « pequeña piedra pulida »? La idea inicialmente era reproducir los mosaicos greco-romanos del Medio-Oriente, o de África del Norte, con trozos de baldosas de color, y no de pequeñas piezas de mármol pulido (« teselas »). Se entiende que es más fácil fabricar y cortar un ladrillo de terracota esmaltada que pulir mármoles venidos de lugares lejanos.

Los que conocen Marruecos por supuesto habrán visto « zellige », mosaico de pequeñas piezas de barro cocido barnizado en color. Estos « zelliges » todavía cubren suelos y paredes de muchos lugares. Esta artesanía antigua sigue viva en Marruecos; la mayoría de los talleres de corte están en la ciudad de Fez. Los « zelliges » marroquíes y los « azulejos » hispánicos por lo tanto comparten la misma etimología. Y la misma filiación con el mosaico.

Orígenes orientales antiguos 

Los primeros azulejos conocidos son de Egipto y Mesopotamia. En el año 2620 antes de Cristo, el Faraón Zoser, fundador de la Dinastía III, ordenó la construcción de una pirámide en Saqqara por el famoso arquitecto Imhotep. En esta pirámide las galerías que conducen a la cámara funeraria están cubiertas con azulejos verdes con líneas amarillas imitando papiro. De manera que el esmalte, fina capa de barniz vidriado opaco, es un descubrimiento muy antiguo. Sin embargo, en aquellos tiempos remotos, esta técnica de cerámica cubierta con un esmalte opaco era exclusivamente oriental, y de hecho, se perdió posteriormente. El mundo greco-romano no la conocía, y desarrolló más bien el uso de estuco, mosaicos, o pinturas sobre yeso húmedo (« fresco »).

El redescubrimiento del esmalte 

Los persas Sasánidas redescubrieron en el siglo IX el uso del estaño como un opacificante del vidrio; fabricaron de nuevo azulejos con un esmalte opaco. Sus vecinos Abasíes (Bagdad era su capital) también se apropiaron de esta técnica, la cuál se transmitió a todo el mundo árabe-musulmán, desde las puertas de Constantinopla hasta España. Bajo el reino de los Fatimíes, los alfareros egipcios decoraron muchas aulas de palacios en El Cairo.

La llegada a Europa a través de España 

Fueron los Árabes quienes introdujeron en Europa este arte venido de Oriente. El primer uso de azulejos fue para formar ensamblajes geométricos de piezas cortadas de cerámica (« alicatado »). Podemos ver hermosos ejemplos todavía en su lugar original en la Alhambra de Granada. Decoraciones y adornos utilizados son complejos y reflejan el gusto islámico por la geometría. Sin embargo, este alicatado es un proceso costoso, ya que requiere una gran cantidad de trabajo de corte y se desperdician muchas baldosa al cortarlas. Para superar estos inconvenientes, los artesanos imaginaron aplicar directamente sobre la arcilla los esmaltes de colores, separándolos para evitar que se mezclaran. Estas separaciones se realizan mediante el dibujo de los contornos con una sustancia grasa mezclada con un pigmento negro: el óxido de manganeso. Una vez cocida, esta sustancia grasa se convierte en una delgada línea negra. Esta técnica de separación de los colores se llama en España cuerda seca. Los azulejos producidos por este método tienen motivos principalmente moriscos y sus composiciones se asemejan a los mosaicos de tipo alicatado. A veces sugieren efectos cubistas originales o están dispuestos en magníficos motivos radiales. La decoración más típica de este período consiste en combinaciones de patrones geométricos, típicamente moriscos, y algunos ejemplos de adornos vegetales.

En torno a los años 1500, el proceso de cuerda seca fue reemplazado por el de arista o cuenca: la separación de los colores se hace por finas líneas salientes levantadas en la arcilla. Se utiliza un molde con el patrón negativo que se presiona en la arcilla blanda, y por eso no hay línea de color negro entre los diferentes colores. La intención es, sin embargo, imitar los alicatados con costos más bajos. Los principales centros de fabricación españoles fueron Málaga, Toledo, y Sevilla. Aparte de estos decorados geométricos en relieve, en el siglo XV se desarrolló la fabricación de azulejos con decorados pintados en azul de unos 10 o 15 cm de lado con motivos geométricos, animales o heráldicos. También se fabricaron placas de barro cocido gruesas esmaltadas en blanco y decoradas generalmente en tonos rojizos o amarronados. Estos socarrats se colocaban en el techo, entre vigas. Estos dos tipos de azulejos se fabricaban sobre todo en dos pueblos conocidos por la cerámica de reflejo metálico: Manises y Paterna, al lado de Valencia.

La influencia de la mayólica italiana 

En 1492, la toma de Granada por los Reyes Católicos puso fin a la Reconquista. En el mismo tiempo, la influencia del Renacimiento procedente de Italia produjo cambios fundamentales en la evolución del arte y de la arquitectura. Y también de los azulejos. En Italia se desarrolló la técnica de la mayólica: piezas de cerámica cubiertas con un esmalte de plomo opacificado con estaño. La mayólica se caracteriza por una elaborada policromada: follaje, personajes, grotesco, etc. La ciudad italiana de Faenza, importante centro de producción, originó la palabra «fayenza» y en francés: «faïence». Fue entonces cuando las baldosas comenzaron a ser decoradas con una elaborada decoración.

Hacia 1498, se estableció en Sevilla un pintor de mayólica italiana, Francesco Niculoso, llamado Niculoso Pisano, ya que era nativo de Pisa. Introdujo en España la técnica de la mayólica y la aplicó brillantemente a los azulejos. Hasta entonces, los colores aplicados sobre las baldosas eran brillantes y se aplicaban con una intensidad uniforme. La técnica italiana « pisana » es pictórica: se pinta sobre las baldosas como se pinta sobre un cuadro. Por consiguiente, va a ser utilizada una rica policromía: azul, amarillo claro, amarillo oscuro, verde, marrón, blanco, negro, púrpura. Lo particularmente revolucionario, es la búsqueda del claroscuro y del desvanecido. De modo que la producción artesanal, basada en una repetición casi industrial de motivos, se convierte en una creación artística que requiere la sensibilidad de un pintor. El estilo de los azulejos se verá completamente transformado desde entonces. Aparecerán grandes paneles decorados con escenas figurativas y narrativas elaboradas con gran erudición. La influencia de Pisano fue enorme y desde Sevilla, fue imitado en Toledo, Valencia, Talavera de la Reina, y también en Portugal. Es en Portugal donde este arte llegó a su culminación hasta ser una característica del país.

Otro maestro de la mayólica italiana tuvo gran influencia en el arte de los azulejos y de la arquitectura. Guido di Savino dejó Venecia y se estableció alrededor de 1500 en Amberes, en Flandes, en aquel entonces una provincia española. Gracias a Guido di Savino, también conocido como Guido Andries, Amberes se convirtió en un importante centro de producción, y la técnica de la mayólica finalmente se difundió por todo el norte de Europa . El primer fabricante de mayólica destacado en Francia es Masséot Abaquesne en Ruan. En los Países Bajos, los alfareros y pintores de mayólica y de azulejos prosperaron en Amsterdam, Rotterdam, Haarlem, Utrecht, y por supuesto, en Delft.

Los azulejos barrocos 

El siglo XVII se caracteriza por una amplia variedad de temas: la caza, la guerra, escenas religiosas, mitológicas, o satíricas. Las fuentes de inspiración son variadas, pero sobre todo se transponen, se mezclan y se interpretan libremente. Los pintores de azulejos se inspiran en grabados ornamentales procedentes de Europa, especialmente los grotescos. Estos motivos seculares vienen de la antigua Roma y fueron reinterpretados por el pintor Rafael en el siglo XVI para decorar el Palacio del Vaticano. Los grotescos tienen un carácter fantástico que será ampliamente adoptado y mezclado con los temas religiosos en particular. Por otra parte, es la época de las colonias y del comercio con el Lejano Oriente. La inspiración también viene de la India y de China. Por ejemplo, telas exóticas inspiran a pintores de azulejos para pintar paneles que decoran la parte frontal de altares de muchas iglesias portuguesas.

A finales del siglo XVII, los pintores de azulejos holandeses empiezan a pintar sus paneles en blanco y azul, con referencia a la porcelana comprada de China. La porcelana china es muy cara, pero muy valorada en toda Europa. Los alfareros tratan de competir y producir loza “porcelana”, especialmente en Delft. Aristócratas portugueses encargan paneles holandeses azules y blancos para sus palacios e iglesias. Algunos fabricantes de azulejos holandeses finalmente se establecerán en Portugal: Willem van der Kloet y Jan van Oort en particular. Estos azulejos azul y blanco tendrán mucho éxito en Portugal. En el siglo XVIII, estos paneles serán imitados por los pintores de azulejos portugueses hasta el punto de recubrir todo el país de azulejos azules y blancos. El arte del azulejo alcanza entonces su plenitud; la maestría de algunos pintores portugueses de azulejos es tal que firman sus paneles. En el siglo XVIII, los marcos de los paneles se hacen cada vez más elaborados con guirnaldas, ángeles y elementos arquitectónicos. Entonces aparece el estilo rococó, con ornamentación compleja. Los dibujos son a menudo inspirados por Antoine Watteau y sus grabados que representan escenas galantes, pastorales y bucólicas.

Acabados los excesos y las frivolidades, es la virtud y la sencillez del estilo antiguo lo que caracteriza el siglo XIX. Entonces nace el estilo neoclásico, inspirado en particular por los estampados de Robert Adam y de su hermano James. Los marcos de los paneles son más ligeros y se simplifican. Este estilo se caracteriza especialmente por la vuelta a una rica policromía.

El Modernismo en Francia 

A finales del siglo XIX, aparece en Francia el Modernismo (Art Nouveau), lo cual reactiva la cerámica arquitectónica, gracias igualmente al uso de la loza de barro resistente al hielo. Los temas más representados son vegetales, con movimientos ondulantes y femeninos. Se nota mucho la influencia de los carteles de Alfons Mucha y Eugenio Grasset. La Exposición Universal de 1900 en París fue la ocasión de exhibir la cerámica arquitectónica. La técnica de separación de los colores se vuelve a utilizar después de varios siglos de abandono, se inventa también el patrón estarcido. Fachadas de casas, tiendas y restaurantes están adornadas con paneles de azulejos decorativos, o simplemente con frisos, a menudo florales, a veces en relieve.

Hoy en día, no existe homogeneidad de estilo en las creaciones de paneles de azulejos. En su mayoría son obra de un solo artista -rara vez un ceramista- que se expresa en ocasiones a través de este arte. Las estaciones de metro de Lisboa o la Casa da Mùsica en Oporto (arquitecto Rem Koolhaas) son una buena muestra de que es hoy en Portugal donde la cerámica arquitectónica está particularmente viva.

Para saber más:

Azulejos
Azulejos antiguos
Museo del Azulejo de Lisboa
La historia del azulejo por Wilhelm Joliet, historiador de arte alemán
La historia del azulejo por el Instituto Camoes de Lisboa

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